Христос Святого Иоанна Креста
Художник: Сальвадор Дали
Год: 1951
Христос Святого Иоанна Креста (1951) — Сальвадор Дали
Сальвадор Дали считается самым влиятельным художником направления сюрреализм. Эта картина известна как Христос святого Иоанна Креста, потому что ее дизайн основан на рисунке испанского монаха 16-го века Иоанна Креста. Композиция состоит из треугольника, который образован руками Христа и горизонталью креста и круга, образованного главой Христа. Треугольник можно рассматривать как ссылку на Святую Троицу, в то время как круг может представлять единство, то есть все сущее существует в трех. Хотя картина изображает распятие, на ней нет гвоздей и крови. По словам Дали, вдохновение для картины пришло к нему через космический сон, в котором он был убежден, что изображение гвоздей и крови испортит его изображение Христа. Христос Святого Иоанна Креста был признан самой любимой картиной в Шотландии в опросе 2006 года. Это одно из самых известных произведений одного из ведущих современных художников и многие считают картину величайшей религиозной живописью 20 века.
Александр Герасимов
Одним из учеников Коровина и Серова, перенявшим у них экспрессивный мазок, яркую палитру и этюдную манеру письма, стал Александр Михайлович Герасимов. Расцвет творчества художника пришелся на время революции, что не смогло не отразиться в сюжетах его картин. Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе. Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников.
Художники на даче у Сталина, 1951
Сталин и Ворошилов в Кремле, 1950-е
После дождя. Мокрая терраса, 1935
Натюрморт. Полевой букет, 1952
Спаситель мира
Художник: Леонардо да Винчи
Год: 1519
Спаситель мира (1500) — Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи был итальянским художником, которого сейчас считают гением со множеством талантов. Но в течение четырех столетий после смерти его слава в первую очередь почивалась на лаврах художника, и даже сегодня он считается одним из величайших художников в истории западного искусства. Первым зарегистрированным владельцем этой картины был король Карл I из Англии. Картина была продана с аукциона сыном герцога Бекингемского в 1763 году и приобретена в 1900 году британским коллекционером произведений искусства сэром Фрэнсисом Куком, потомки которого продали её на аукционе всего за 45 фунтов стерлингов. Только в первом десятилетии 21 века работа была восстановлена и признана как произведение да Винчи, тем самым придав себе всеобщее внимание. Картина изображает Иисуса Христа как Salvator Mundi (Спасителя мира). На картине он в одежде эпохи Возрождения дает благословение поднятой правой рукой; а его левая рука держит хрустальный шар
Константин Коровин
История русского импрессионизма началась с картины «Портрет хористки» Константина Коровина, а также с непонимания и осуждения публики. Впервые увидев это произведение, И. Е. Репин не сразу поверил в то, что работа исполнена русским живописцем: «Испанец! Это видно. Смело, сочно пишет. Прекрасно. Но только это живопись для живописи. Испанец, правда, с темпераментом…». Сам Константин Алексеевич начал писать свои полотна в импрессионистической манере еще в студенческие годы, будучи не знакомым с картинами Сезанна, Моне и Ренуара, за долго до своего путешествия во Францию. Только благодаря опытному глазу Поленова Коровин узнал, что использует технику французов того времени, к которой пришел интуитивно. В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору. Эту любовь художнику привил «мамонтовский кружок» – сообщество творческой интеллигенции, в которое входили Репин, Поленов, Васнецов, Врубель и многие другие друзья известного мецената Саввы Мамонтова. В Абрамцево, где располагалась усадьба Мамонтова и где собирались члены художественного кружка, Коровину посчастливилось познакомиться и работать с Валентином Серовым. Благодаря этому знакомству творчество уже состоявшегося художника Серова приобрело черты легкого, светлого и стремительного импрессионизма, которые мы видим в одной из его ранних работ – «Открытое окно. Сирень».
Портрет хористки, 1883
Северная идиллия, 1886
Черемуха, 1912
Гурзуф 2, 1915
Пристань в Гурзуфе, 1914
Париж, 1933
Frm46 — заработал на NFT более $25 тыс.
Кто такой Frm46. Евгений Зубков — 26-летний графический дизайнер из Ростова-на-Дону. Создавал вирусный контент для игр Cyberpunk 2077, PUBG, Valorant.
Свою первую NFT-работу «CryptoGop» художник разместил на Foundation за 0,6 ETH или $1163 в марте 2021 года. Через 2 дня работу купили за 0,9 ETH или $1743.
Самая дорогая работа. Работу «PANDORA’S BOX» Евгений выставил на Foundation в марте 2021 года за 1,46 ETH или $2833. На следующий день в ходе аукциона цена выросла до 5,4 ETH или $10488, что в 4 раза дороже ее первоначальной стоимости.
В чем особенность работ. Евгений Зубков стал известен благодаря своей серии работ о параллельной постсоветской реальности в сеттинге киберпанка. В этих NFT-артах образы гипертрофированных технологий контрастируют с провинциальной Россией, декорации которой будто застряли вне времени. Яркий пример такого стиля — картина «COLONEL». На ней художник изображает пожилого мужчину с кибернетической рукой. Он курит на фоне хрущевок в полицейской форме. А на картине «Drones (2016)» Евгений изобразил бабушку, которая кормит голубей. Но вместо птиц летают дроны.
Где выставляет свои работы. На площадках Foundation и OpenSea.
Где следить за художником:
Сайт: zubkovstore.ruТвиттер: @Frm46Behance: Evgeny ZubkovВКонтакте: Евгений Зубков
Юлия Соколова
Пришло время представить винную художницу из России – Юлию Соколову. Когда-то она окончила МАРХИ по направлению «Архитектура», что заметно повлияло на ее творчество.
«Я начала заниматься винной живописью в 2012 году, – рассказывает Юлия, – в тот период, когда стала посещать школу сомелье Wine People
На занятиях я обратила внимание, что оттенки вина различаются между собой, и мне стало интересно попробовать написать картину используя вино»
Работы Юлии отличаются графичностью и четкостью линий. Основу она прорисовывает тушью, а винную краску либо выпаривает естественным путем – на воздухе, либо покрывает картину несколькими слоями винной краски.
В основном она рисует винодельческие хозяйства, замки и винные карты. По ее словам, рисование вином уникально возможностью запечатлеть объект, используя именно его местные вина. Пример такой работы – винная карта Испании, написанная исключительно винами из испанских сортов. «Это создает живую связь между тем, что рисуешь и чем рисуешь. Есть в этом что-то волшебное, эзотерическое», – говорит Юлия.
Еще один ее любимый мотив – пионы. «Для прорисовки пионов я использую молодые вина, вина постарше, а для отдельных элементов – старые, выдержанные вина». Особенно художница любит использовать в своих работах молодые вина, по ним хорошо прослеживается весь процесс старения. «Получается, вино живет на бумаге. Что еще интересно, невозможно точно предсказать, какого оттенка будет вино. Пока не откроешь бутылку, не узнаешь».
Юлия Соколова работает скорее адресно, под заказ. Также время от времени она ведет мастер-классы по рисованию вином. Связаться с ней можно через Instagram.
Фото на обложке: Сat Рan/Unsplash.
Мелисса Проудлок (Melissa Proudlock)
Мелисса Проудлок – канадская художница и графический дизайнер, начала рисовать вином еще в далеком 2013 году.
В процессе она открыла для себя особенности и оттенки каждого сорта винограда. Более того, вина из одного сорта, но из разных стран могут также заметно отличаться друг от друга. Например, у французского и канадского пино нуаров тональность будет разная.
Со временем Мелисса разработала любопытную технику для рисования вином – она стала использовать собственный краситель. Его она производит из винного осадка, который ей предоставляют местные виноделы. В течение длительного времени жидкость с осадка по чуть-чуть испаряется, и он полностью высыхает. После этого полученный материал она стирает в порошок и использует в миксе с вином для усиления его консистенции. Часть своих натуральных красителей Мелисса фасует и продает в авторских наборах для рисования вином.
Благодаря этой технике цвета на ее рисунках более глубокие, а плотная консистенция краски позволяет ей прорисовывать большее количество деталей. Ее работы отличаются разнообразием – она пишет все! На ее сайте и в инстаграме много животных, фантазийных, медийных персонажей и не только. Дэвид Боуи, слоны и зебры, Фредди Крюгер – лишь некоторые примеры ее работ.
На сайте художницы выставлены на продажу ее картины, рисунки и открытки. Крутые авторские наборы для самостоятельного рисования вином можно приобрести за $40. А свою технику письма она планирует в скором времени запатентовать.
Юрий Пименов
Совершенно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма. Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. Но в то же время сюжет этой работы совершенно не сочетается с одной из основных идей импрессионизма – отказа от использования социальных и политических тем. «Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника. «Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. Живописец щедро отдает это свое чувство зрителю», – пишет в 1973 году художник и исследователь Игорь Долгополов. И действительно, глядя на картины Юрия Ивановича, мы проникаемся любовью к советской жизни, новым кварталам, лирическим новосельям и урбанистике, запечатленным в технике импрессионизма.
Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития. Так и французский импрессионизм в Российской империи и Советском Союзе вобрал в себя черты русского мировоззрения, национального характера и быта. Импрессионизм как способ передачи одного лишь восприятия действительности в чистом виде остался чужим для русского искусства, потому что каждая картина русских художников наполнена смыслом, осознанием, состоянием переменчивой русской души, а не просто мимолетным впечатлением. Поэтому уже в следующие выходные, когда Музей Русского Импрессионизма заново представит основную экспозицию москвичам и гостям столицы, каждый найдет что-то для себя среди чувственных портретов Серова, урбанистики Пименова и нетипичных для Кустодиева пейзажей.
Новая Москва
Лирическое новоселье, 1965
Костюмерная Большого театра, 1972
Раннее утро в Москве, 1961
Париж. Улица Сен-Доминик. 1958
Стюардесса, 1964
Саня Янкович (Sanja Jankovic)
Сербская художница Саня Янкович – одна из самых популярных в этом жанре и одна из немногих, кто упомянут в Рунете.
Саня окончила с отличием курс по специальностям «Изящные искусства» и «Живопись». По происхождению она из винодельческого региона Срем, местные жители этой области часто посещают винные дегустации. На одной из них она случайно пролила красное вино на скатерть. Разглядывая винные пятна на белой поверхности, она захотела повторить то же и на бумаге. Так в 2015 году она открыла для себя новую технику. А позже родился ее проект Winerelle («Винарель»). Название – отсылка к самой технике рисования, схожей с письмом акварелью.
(социальная медиаплатформа, сервис для размещения работ и создания портфолио. – Прим. автора)
Для передачи самых темных оттенков она использует винный осадок, который образуется в емкостях, где разлито вино для рисования. «Вина высокого качества дают много пигмента, когда более дешевые варианты оставляют клейкий осадок, который не высыхает из-за большего содержания сахара. Поэтому для своих работ я, конечно, предпочитаю первые», – делится Саня в своем instagram-аккаунте.
На сегодняшний день Саня Янкович проживает в ОАЭ, преподает в Канадском университете в Дубае, проводит лекции и мастер-классы.
Игорь Грабарь
В разговоре о позднем русском импрессионизме нельзя не обратиться к творчеству великого деятеля искусства Игоря Эммануиловича Грабаря, перенявшему многие техники французских живописцев второй половины XIX века благодаря своим многочисленным поездкам в Европу. Используя приемы классических импрессионистов, на своих картинах Грабарь изображает абсолютно русские пейзажные мотивы и бытовые сюжеты. Пока Моне рисует цветущие сады Живерни, а Дега – прекрасных балерин, Грабарь изображает теми же пастельными цветами суровую русскую зиму и деревенскую жизнь. Больше всего Грабарь любил изображать на своих полотнах иней и посвятил ему целую коллекцию произведений, состоящую из более ста маленьких разноцветных набросков, созданных в разное время суток и при разной погоде. Сложность работы над такими рисунками состояла в том, что краска застывала на морозе, поэтому работать приходилось быстро. Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Часто стиль живописи Игоря Эммануиловича называют научным импрессионизмом, потому как он придавал большое значение свету и воздуху на полотнах и создал множество исследований о передачи цвета. Более того, именно ему мы обязаны хронологическим расположением картин в Третьяковской галерее, директором которой он был в 1920-1925 годах.
Березовая аллея, 1940
Зимний пейзаж, 1954
Иней, 1905
Груши на синей скатерти, 1915
Уголок усадьбы (Луч солнца), 1901
Преображение
Художник: Рафаэль
Год: 1520
Преображение (1520) — Рафаэль
Рафаэль был одним из трех великих мастеров искусства Высокого Возрождения наряду с Микеланджело и Леонардо да Винчи. Преображение — последняя картина, созданная им. Она разделена на две отдельные части. В верхней половине картины изображено преображение Христа с пророками Ильей и Моисеем по обе стороны от него. В нижней части апостолы безуспешно пытаются избавить одержимого мальчика от демонов. Картина может быть интерпретирована как изображающая контраст между богом и человеком; причем верхняя часть чистая и симметричная, а нижняя темная и хаотичная. Для Наполеона Рафаэль был просто величайшим из итальянских художников, а «Преображение» — его величайшей работой, а историк искусства Джорджио Вазари называет картину Рафаэля «самой красивой и самой божественной» работой.
Валентин Серов
Живопись Серова пронизана присущей только русскому импрессионизму чертой – в его картинах отражено не только впечатление от увиденного художником, но и состояние его души в данный момент. Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника. Но, несмотря на достаточно мрачную палитру, картина является эталонным импрессионистическим произведением, так как на ней Серову удалось запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. В письме невесте из Венеции Серов писал: “В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное”.
После путешествия по Италии Валентин Серов возвращается в Абрамцево, где и создает свое самое известное и действительно «отрадное» произведение «Девочка с персиками», на котором изображена старшая дочь Саввы Мамонтова Вера. На момент создания этого шедевра Серову было всего 22 года, но его профессионализм позволил наполнить свою работу сразу несколькими жанрами: на картине мы видим и портрет, и натюрморт, и пейзаж за окном. Вопреки канонам стремительного импрессионизма, Серов писал картину ежедневно около трех месяцев, чем, по его собственным словам, «измучил двенадцатилетнюю Верочку». Но у зрителя все же создается впечатление, что девочка присела всего на минутку, и художнику удалось поймать момент и поделиться с нами своим мимолетным, светлым и счастливым впечатлением.
Открытое окно. Сирень, 1886
Площадь Св. Марка в Венеции, 1887
Площадь Св. Марка в Венеции, 1887
Девочка с персиками (Портрет В. С. Мамонтовой)
Коронация. Миропомазание Николая II в Успенском соборе, 1896
Девушка, освещенная солнцем, 1888
Купание лошади, 1905
Лоран Бессо (Laurent Bessot)
Сразу можно понять, что Лоран Бессо, художник из Франции, отличается доброжелательностью и оригинальным чувством юмора. Достаточно изучить его сайт и страницу в Instagram.
Он пишет забавные рисунки, используя вместо красок темное пиво и красное вино из пино нуара. В своих работах он обыгрывает повседневные предметы, связывая их с винной тематикой. Основные персонажи его работ – уморительные пробки-мультяшки, а еще винные бутылки, бокалы и нарзанники. Благодаря его воображению они будто оживают на рисунках.
Для подготовки «краски» Лоран выливает вино в кастрюлю и длительное время выпаривает его на сильном огне, пока на дне не остается всего 50-100 мл. Благодаря этому цвет становится более интенсивным. «Сам я люблю белые вина – рислинг, сильванер. Красное вино я предпочитаю использовать для рисования, если только не задумал приготовить бёф бургиньон (традиционное блюдо французской кухни из тушеной говядины в густом винном соусе. – Прим. автора)», – шутит он у себя на сайте.
Распятый Христос
Художник : Диего Веласкес
Год: 1632
Распятый Христос, Диего Веласкес
Диего Веласкес был испанским художником, работавшим в 17 веке, который считается выдающейся фигурой испанского Золотого века. Он высоко ценится за портретную живопись. Веласкес был официальным художником короля Филиппа IV. На этой картине, написанной Веласкесом в середине его жизни, изображен Иисус на кресте сразу после его смерти. Примечательным моментом в картине является то, что в ней отсутствуют какие-либо повествовательные элементы, кроме креста. Произведение невероятной оригинальности. Мастерское сочетание безмятежности, достоинства и благородства, картины «Распятый Христос» сделали ее поворотным моментом в художественном развитии Веласкеса. Это самая известная картина художника на религиозную тематику, которая послужила источником вдохновения для создания многих произведений литературы, в частности поэмы Мигеля де Унамуно «Эль-Кристо де Веласкес».
Chuvabak — заработал на NFT $23 тыс.
Кто такой Chuvabak. Олег Вдовенко — 34-летний художник-аниматор из Тулы. Начал свою карьеру с художественного оформления видеоигр, а сейчас его NFT-видео успешно продаются на Foundation. За 9 работ Олег заработал 13 ETH или $23 тыс.
Свой первый NFT «WACKY WAR» выставил 4 марта 2021 года на Foundation за 1 ETH или $1,8 тыс. На следующий день его купили на аукционе за 1,89 ETH или $3,5 тыс., что в два раза больше первоначальной стоимости.
12 марта в одной из своих социальных сетей художник заявил, что уходит с площадок NFT. Олег в интервью Forbes рассказывает о том, что ему очень нравится крипто-арт, но сами торги вызывают у него много стресса: «Художник и его работы обесцениваются. Возможно, всему этому нужно дать время на развитие».
Самая дорогая работа. « C-3PO’s revenge» купили за 2,5 ETH или $4575 в марте 2021 года на Foundation. Олег создал это видео в 2020 году в поддержку героя C-3PO из «Звездных войн». В описании к работе Вдовенко указал, что хотел отдать дань уважения герою, который постоянно страдал.
В чем особенность работ. Chuvabak специализируется на видео и иллострациях в жанре ужаса. На Foundation есть серия из трех NFT-видео с монстрами. На них изображены 3 существа: многозубый, с лопающейся головой и разрывающийся пополам монстры. Эти работы — «GERM one», «GERM two» и «GERM three». Вдовенко создал их в 2020 году, а в марте 2021 года продал за 3,2 ETH или $5,8 тыс.
Где выставляет свои работы. На площадках Foundation, Rarible и OpenSea.
Где следить за художником:
ТикТок: chuvabakТвиттер: @chuvabakYouTube: Oleg Vdovenko
Сикстинская Мадонна
Художник: Рафаэль
Год: 1512
Сикстинская Мадонна (1512) — Рафаэль
Искусство Рафаэля известно сладостью и ясностью формы, безмятежностью, гармонией, совершенством и визуальным блеском. Его популярность была в первую очередь связана с многочисленными картинами Мадонны с младенцем Христом. Сикстинская Мадонна изображает Мадонну с младенцем Христом; между святыми Сикстом и святой Варварой. Кроме того, под Марией есть два крылатых херувима, которые, возможно, являются самыми известными херувимами, изображенными на любой картине. Их популярность настолько велика, что существует множество легенд о том, как их рисовал Рафаэль. Они были воспроизведены на всем, от бумажных салфеток до зонтиков. Сикстинская Мадонна считается одной из лучших картин многих известных критиков, особенно популярна в Германии, где была провозглашена «высшей среди картин мира» и получила эпитет «божественная».
Ирина Борисовна Ветошкина
| КАБИНЕТ | ФАЙЛЫ | БЛОГ | ДРУЗЬЯ | ШКОЛЫ | ОБЩЕНИЕ | НАСТРОЙКИ | ЗАКЛАДКИ |
|
| ЗАПИСЬ #22 | В ЗАКЛАДКИ |
Когда появилась техника письма виноградным вином на акварельной бумаге, доподлинно неизвестно. Кто был художник, которому первому пришла мысль использовать блаженный напиток в качестве красок? История умалчивает и этот факт. В любом случае история винной гризайли, как называют этот вид искусства, насчитывает уже не один десяток лет, и по праву считается одним из уникальнейших видов живописи. Итак, что мы знаем об искусстве рисования натуральным вином? Гризайль – французское слово, обозначающее серый оттенок цвета. Именно французы, законодатели моды, любители казино, букмекерских контор и кабаре, назвали вид декоративной живописи, выполняемой в оттенках какого-либо одного цвета – гризайлью. Художники, использующие технику рисования вином стали использовать для своих полотен акварельную бумагу. Этот вид искусства назвали винная гризайль. Для создания таких уникальных картин используются только определенные сорта вин: Изабелла, Каберне, Совиньон, Мерло, Саперави, Дойна и Ркацетели. Благодаря особой технологии производства такие вина являются экологически чистым продуктом, не содержат воды, тем самым позволяя реализовывать в работе насыщенные цветовые решения: от красно-коричневых до сиренево-лиловых. Сладкие сорта вин для создания шедевров на акварельной бумаге не используются, так как кристаллы сахара после высыхания осыпаются. Технология винной гризайли имеет свои устоявшиеся нюансы изготовления. Начинается все с того, что содержимое бутылки сухого красного вина делят на несколько частей. С одной стороны – это собственно вино (жидкость), с другой – выпаренное почти до осадка вино. Между ними располагается винная масса с различной степенью густоты. К тому же, на акварельную бумагу можно наносить по нескольку слоев вина, что позволяет добиться необходимой плотности краски на полотне. Мастера такой живописи – люди педантичные, не любящие риск, и дело тут не в азартных играх и ставках на спорт, просто этот сложный вид искусства требует скрупулезности и сосредоточенности, ювелирной точности движений. Один неверный взмах руки — и картина будет испорчена. Главным недостатком винной гризайли является ее недолговечность. Проантоцианидины (красящиеся вещества), находящиеся в вине, со временем окисляются, особенно в местах многослойного нанесения вина. Для рисования следует выбирать менее терпкие сорта вин, так как молекулы проантоцианидинов там меньше и не так быстро окисляются. К тому же картины написанные вином следует беречь и от прямых солнечных лучей, тогда они смогут вас радовать еще долгое время. Увидела сегодня в новостях сюжет об этой технике живописи. Была в восторге, но в инете не могу найти картины европейских художников, только отечественные, которые не совсем нравятся. Может быть кто-нибудь мне поможет? |
Выскажите Ваше мнение:Извините, только зарегистрированные пользователи могут оставлять комментарииЗарегистрироваться |
Вакансии для учителей
